Crítica: O Animal Cordial

O sonho do oprimido

Sempre bom ver o cinema nacional se arriscando em outros gêneros e “O Animal Cordial” merece atenção pelo bom resultado que alcança. Uma proposta ousada e que funciona pelas mãos da diretora Gabriela Amaral Almeida, que entrega aqui um potente thriller psicológico.

Quando um restaurante é tomado por dois assaltantes, o dono do local reverte a situação para salvar seu estabelecimento, construindo um jogo perverso e violento dentro daquele pequeno ambiente. Com poucos espaços, o roteiro prende seus personagens durante uma noite tumultuada, construindo ali um embate pela sobrevivência. Apesar do cardápio elegante, é curioso como a produção desenha seu cenário, com cores escuras, paredes sujas, mais parecendo um matadouro, pronto para a carnificina.

A obra me remeteu à fase mais crua de Nicolas Winding Refn, pelo uso das cores, violência e principalmente pela trilha sonora, que aqui mescla órgãos e sintetizadores. As atuações são ótimas, se destacando, claro, Murilo Benício, que cria em cena um personagem macabro e marcante. Luciana Paes e Irandhir Santos também estão incríveis.

O sonho do oprimido é ser opressor. Essa frase ilustra bem “O Animal Cordial” e em como seus personagens, que se veem como a escória de uma posição acima, se rebelam contra esta estrutura hierárquica, decididos a inverter a cadeia alimentar. Todos eles são diminuídos, rejeitados pelo simples ato de ser quem são. É forte o instante em que um dos cozinheiros tem seus cabelos cortados, símbolo de sua resistência e identidade, simplesmente porque “incomodava” seu opressor. Todos almejam uma nova posição, uma fuga, estar longe daquela vida, longe do trabalho de “merda”. E neste jogo violento de ascensão, os indivíduos ali perdem o controle, se degradando até que, ao fim, se tornem apenas animais, grosseiros e famintos.

NOTA: 8,5

  • País de origem: Brasil
    Ano: 2017
    Disponível: Netflix
    Duração: 96 minutos
    Diretor: Gabriela Amaral Almeida
    Roteiro: Gabriela Amaral Almeida
    Elenco: Murilo Benício, Luciana Paes, Irandhir Santos, Ernani Moraes, Camila Morgado, Humberto Carrão

Crítica: Palmer

O dilema da masculinidade

É possível que você sinta que já viu “Palmer” em algum momento. O longa dirigido por Fisher Stevens é formulaico e traz como base uma premissa bem batida, a do ex-presidiário que tenta se redimir ao voltar à sua cidade natal. Mas nada disso estraga a experiência de ver o filme, muito pelo contrário.

A obra se mostra bastante necessária ao nosso tempo ao falar de um tema um tanto quanto tabu ainda hoje. Na trama, o personagem que dá nome ao título, interpretado por um emotivo Justin Timberlake, se depara em sua jornada com Sam (Ryder Allen), uma criança fruto de uma família problemática e que traz consigo claros traços de homossexualidade, logo, rejeitada na escola em que estuda, local em que Palmar passa a trabalhar. O foco da produção é justamente nesse laço que vai sendo construído entre os dois – que ganha inúmeras facilitações do roteiro – e como um recebe o suporte que precisa no outro, nesta constante busca por ser acolhido, ser aceito em uma sociedade sempre pronta para apontar o dedo e discriminar, seja qual for a razão.

É um confronto interessante entre Palmer e Sam. Duas gerações completamente diferentes. Do homem que aprendeu a ser o macho alfa e tem que entender o menino que brinca de bonecas e se identifica com as fadas de um desenho animado. O protagonista reconhece na criança a dor do abandono. Enquanto que Sam encontra na pessoa mais improvável, tudo o que mais precisa, seja de amor, de acolhimento, de um abraço forte vindo de alguém que o entenda. É belo em como o roteiro vai construindo essa relação, emocionando de forma honesta e arrebatadora. Não vem com discursos prontos sobre redenção, segundas chances ou sobre ser quem você deseja ser. As situações são apresentadas e se desenvolvem de forma natural, sem parecer pedante ou didático. Comove porque não clama por isso e porque é respeitoso o suficiente para tratar de temas delicados da maneira como precisávamos ouvir.

“Palmer” é, acima de tudo, um filme gentil. É aquele produto que nos abraça, nos conforta e nos faz acreditar que estamos evoluindo. É muito sensível a maneira com que fala sobre a homossexualidade infantil e fiquei feliz por ver uma obra tão terna e tão acolhedora como esta. Chorei porque vi algo muito doce e sincero ali. Chorei com um sorriso no rosto e são poucos os filmes que tem este poder.

NOTA: 9

  • País de origem: EUA
    Ano: 2021
    Disponível: Apple TV+
    Duração: 128 minutos
    Diretor: Fisher Stevens
    Roteiro: Cheryl Guerriero
    Elenco: Justin Timberlake, Alisha Wainwright, Ryder Allen, Juno Temple, June Squibb

Crítica: Pieces of a Woman

O pedaço que falta

Em 1940 aconteceu um caso um tanto quanto incomum na pequena cidade de Tacoma. Poucos meses depois de uma aguardada ponte ganhar vida, ela cai após uma forte ventania. Até hoje, estudiosos tentam elaborar teorias sobre o que poderia ter acontecido, encontrando explicações tanto no histórico do local como na física. Nos tempos atuais, temos aqui, como cenário, uma cidade com uma outra grande ponte em construção e a avistamos ali distante, em evolução, mas sempre com um buraco faltando, sempre incompleta. Aquele pedaço importante que impede os outros de chegarem no lado oposto

É com essa analogia que o diretor húngaro Kornél Mundruczó cria “Pieces of a Woman”, seu primeiro longa falado em inglês. Ele narra a dolorosa jornada de Martha, uma mulher que perde o filho logo após o parto. Os primeiros 30 minutos que ele nos entrega são dilacerantes. A cena do parto é forte, real e a opção de registrar este instante em um plano sequência foi certeira. Ainda que entregue o ápice do filme no começo, não vejo como algo negativo, faz sentido dentro da narrativa, logo que o que vem depois é apenas o silêncio, o vazio que nasce na vida daquela mulher despedaçada, vivendo no abismo que nasce entre ela e as pessoas que estão ao seu redor, que não possuem a sensibilidade de entender o que ela enfrenta. Martha é aquela estrutura que precisa ser forte, continuar em pé, mesmo quando falta algo que a completa.

É brutal toda sua batalha interna na qual a personagem enfrenta, essa luta silenciosa de seguir com tamanha dor e ainda precisando lidar com pessoas diminuindo seus sentimentos ou lhe dizendo como se sentir. Vanessa Kirby é potente e transmite com precisão esse momento tão delicado. A atriz se entrega ao papel e é lindo presenciar esta sua evolução. O elenco todo é fantástico, revelando bons momentos de Shia LaBeouf, Sarah Snook e a veterana Ellen Burstyn que finalmente ganha um papel a sua altura. Fazia tempo que o cinema devia isso a ela e é brilhante o que ela faz em cena.

Kornél é um dos grandes diretores que temos em atividade no cinema e sempre me choca a perfeição com que ele finaliza suas obras. São produções desafiadoras, que causam impacto e fico feliz em ver este reconhecimento. É um cara que vai longe. “Pieces of a Woman” é o filme que mais gostei dele e é ótimo também ver algo assim chegando na Netflix. O único detalhe que me incomoda um pouco é sua trilha sonora. Tive a sensação de que ela entra em alguns momentos indevidos, crescendo em cena quando o silêncio seria mais efetivo. No mais, um baita filme, bem escrito, dirigido e incrivelmente atuado.

NOTA: 9,0

  • País de origem: EUA
    Ano: 2021
    Disponível: Netflix
    Duração: 128 minutos
    Diretor: Kornél Mundruczó
    Roteiro: Kata Wéber
    Elenco: Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn, Sarah Snook, Bennie Safdie, Molly Parker

Crítica: Malcolm & Marie

O lugar errado da fala

Em algum momento alguém afirmou que Sam Levinson era visionário e isso claramente afetou o ego do homem. Sim, “Euphoria” e “Assassination Nation” tem muitas qualidades, mas chega a ser cômico como ele decidiu, posteriormente, fazer um filme porque recebeu uma crítica ruim e precisava desabafar. Mais do que imaturo é um passo perigoso.

Filmado durante a pandemia em um período de duas semanas, é interessante assistir o resultado alcançado pelo cineasta. É um exercício ousado, que acontece todo dentro de uma casa e apenas dois atores em cena. A forma como ele explora os espaços e sua câmera caminha pelos ambientes, dão um tom ágil à produção. O texto é feroz e revela uma eterna DR entre um casal composto por um diretor de cinema e uma jovem atriz com passado turbulento. Uma lavação de roupa suja que até tem seus momentos de brilho ao questionar esse relacionamento tóxico vivido pelos protagonistas, que se machucam a todo instante, no entanto, o roteiro peca na repetição. O casal abre feridas, as fecham para logo em seguida abrir novas, construindo uma narrativa cíclica enfadonha, verborrágica e infértil.

Há, em cena, ótimos diálogos e dois atores se doando, mas nada passa verdade. Zendaya e John David Washington se esforçam, mas o sentimento dito morre no texto e nunca alcança a interpretação dos dois. É tanta encenação que não há espaço para construir uma química entre os atores, que clamam por atenção, gritam para serem ouvidos, mas que só funcionam isoladamente. Culpa do roteiro que precisa dar um monólogo incrível de cinco em cinco minutos para cada um ter o seu Oscar tape.

“Malcolm e Marie” me faz pensar, ainda que um termo banalizado recentemente, em lugares de fala. Sam Levinson tenta limpar sua barra através de sua prepotência em se mostrar conhecedor da arte do cinema e expor suas frustrações enquanto criador através de um interlocutor preto. É perigoso e covarde quando ele verbaliza na tela tudo aquilo que não poderia enquanto homem branco. O mesmo acontece quando a personagem de Zendaya questiona a sexualização feminina em filmes dirigidos por homens, enquanto ela é sexualizada durante todo o filme. Levinson tenta abraçar essas causas sociais quando, na sua pele, nada afeta. São discursos vazios de um homem que realiza um produto egocêntrico, vomitando suas verdades, sem parecer que é tudo sobre ele mesmo.

NOTA: 6,0

  • País de origem: EUA
    Ano: 2021
    Disponível: Netflix
    Duração: 106 minutos
    Diretor: Sam Levinson
    Roteiro: Sam Levinson
    Elenco: Zendaya, John David Washington

Os 9 melhores filmes originais da Netflix em 2020

No meio de muita produção duvidosa, a Netflix conseguiu entregar alguns filmes realmente bons em 2020. Em um período em que quase não tivemos lançamentos na tela grande, a gigante do streaming nos permitiu ter acesso a novidades e manter acesa aquelas boas discussões sobre cinema.

“Mank”, “Os 7 de Chicago”, “A Voz Suprema do Blues” tem suas qualidades, mas vou deixar os Oscar Baits de fora aqui. Espero que gostem dos selecionados e deixo aqui como dicas para assistir, caso não tenham visto algum.

Menções honrosas: Tempo de Caça, A Caminho da Lua, Ninguém Sabe Que Estou Aqui, Ya No Estoy Aquí, Seu Nome Gravado em Mim.

9. A Trincheira Infinita
de Jon Garaño, Aitor Arregi, José M. Goenaga | Espanha

Quando uma Guerra Civil explode na Espanha, um homem, por medo de represálias das autoridades, decide viver escondido dentro da própria casa. É um relato forte, emocionante e um registro assustador de uma época, de muitas histórias. A produção é incrível e nos faz mergulhar nos sentimentos dos protagonistas ao longo de vários anos, vivendo pelo medo e pela dor de existir e não poder ver o lado de fora.

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8. Tigertail
de Alan Yang | EUA

A singela história de uma vida. “Tigertail” mergulha nas lembranças de um imigrante taiwanês que, para ter uma vida melhor, abandonou seu grande amor e sua família para viver em Nova York. O longa revela essa experiência bastante íntima de um imigrante, cheia de perdas e danos, com muita sensibilidade. Emociona nesse relato da busca por um sonho que nunca se alcança.

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7. Happy Old Year
de Nawapol Thamrongrattanarit | Tailândia

O filme acompanha a história de uma mulher que se depara com inúmeras lembranças de sua vida ao decidir descartar inúmeros objetos de sua casa. E nesta atividade de reviver o passado para seguir em frente, ela decide ir atrás do ex-namorado com quem nunca teve um fim digno. Simples, original e bastante delicado.

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6. Você Nem Imagina
de Alice Wu | EUA

As comédias românticas teen da Netflix parecem seguir uma fórmula. Justamente por isso foi tão bom encontrar “Você Nem Imagina”, que tem como base uma série de clichês do gênero mas inova na condução, entregando um texto maduro e bastante sensível.

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5. O Que Ficou Para Trás
de Remi Weekes | Reino Unido, Irlanda do Norte

Uma outra grande surpresa que surgiu no catálogo em 2020 foi “O Que Ficou Para Trás”, terror psicológico britânico que foge das fórmulas ao narrar a jornada de um casal de imigrantes recomeçando a vida na Inglaterra. Sem distinguir o que é pesado e realidade, eles são confrontados pelos fantasmas do passado. É instigante, inteligente e muito bem realizado.

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4. O Diabo de Cada Dia
de Antonio Campos | EUA

Com um elenco fantástico, o filme narra inúmeras histórias e personagens que vão se cruzando ao longo do tempo e tem como base o rancor, o medo e a obsessão religiosa. O roteiro é brilhante e caminha respeitando cada trama e seus belos desdobramentos.

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3. A Sun
de Mong-Hong Chung | Taiwan

Drama taiwanês bastante emocionante. O filme revela a dor de uma família depois de dois eventos trágicos e como eles tiveram que sobreviver. Apesar da longa duração, o longa tem bom ritmo e encanta pela delicadeza ao falar sobre redenção, perdão e recomeços.

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2. The 40-Year-Old Version
de Radha Blank | EUA

Primeiro filme escrito e dirigido por Radha Blank, “The Forty-Year-Old Version” é uma bela surpresa. Como mulher preta, ela entrega aqui seu grande manifesto e sua insatisfação de envelhecer no meio artístico e os tantos percalços que precisa enfrentar. É um discurso bastante íntimo e revelador, bastante necessário.

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1. Joias Brutas
de Josh Safdie, Ben Safdie | EUA

Foi lá no começo do ano quando a Netflix lançou essa preciosidade. Dificilmente ela lançaria algo a altura ou melhor que “Joias Brutas”. Dirigido pelos irmãos Safdies (Bom Comportamento), o longa coloca Adam Sandler ao avesso e revela a mais potente atuação de sua carreira. É um filme revigorante, inquietante, que nos faz rir de nervoso e nos faz vibrar pela insana trajetória de seu brilhante protagonista.

Crítica: Alguém Avisa?

o tempo de cada um

“Happiest Season” tem aquele mesmo poder alcançado por “Love, Simon” há alguns anos atrás. Aquele produto simples, sem pretensão alguma mas extremamente necessário. Necessário quando, por anos, histórias LGBTs foram ignoradas e hoje elas ganham espaço para dialogar com tanta gente, em uma linguagem acessível a tantos jovens e tantas famílias. Pode soar, para muitos, como só um filme sessão da tarde. Mas não é, porque seu discurso é poderoso, porque ele está contando uma história de amor para aqueles que nunca tiveram referências. Porque ele está dizendo que é possível.

Na trama, Abby (Kristen Stewart) planeja pedir em casamento sua namorada Harper (Mackenzie Davis) durante o feriado de Natal ao lado dos sogros. No entanto, durante a viagem, descobre que Harper não é assumida para a família. Como toda comédia romântica natalina, tudo, obviamente, dá muito mais errado do que o planejado.

O filme acaba forçando bastante nas situações, pesando a mão naquele humor que causa desconforto, nos fazendo, inclusive, a questionar se o casal deveria realmente ficar junto. Ainda assim, diverte e nos envolve com seus carismáticos personagens. Aquele clichezinho bom de assistir, que faz bem para o coração, que apesar de parecer seguir fórmulas de comédias natalinas, ter um casal lésbico a frente de tudo, o torna um produto novo. Kristen Stewart tem carisma, mas ainda assim falta entrega, aquela real vontade de estar ali. Mackenzie Davis é sempre ótima, mas sua personagem acaba se apagando aqui, o que acaba sendo ofuscada pelos ótimos coadjuvantes vividos por Aubrey Plaza e Dan Levy.

Ter uma mulher assumidamente homossexual na direção fez toda a diferença. Clea Duvall traz honestidade e muito de si ali dentro. “Happiest Season” acerta em cheio em seu discurso final, a de que cada pessoa gay terá sua própria jornada de aceitação. É um caminho doloroso para todos, porque nada vem fácil e porque envolve medo, envolve rejeição, envolve a incerteza do que vem depois.

Simples e necessário. Imensamente necessário.

NOTA: 8

  • País de origem: EUA
    Ano: 2020
    Título Original: Happiest Season
    Duração: 102 minutos
    Diretor: Clea DuVall
    Roteiro: Clea DuVall
    , Mary Holland
    Elenco: Kristen Stewart,
    Dan Levy, Alison Brie, Aubrey Plaza, Mackenzie Davis, Mary Holland, Victor Garber, Mary Steenburgen

Crítica: O Tigre Branco

comendo vivo

Bela surpresa na Netflix, “O Tigre Branco” tem potencial para ganhar um forte público nas próximas semanas. Temos aqui uma boa mistura de “Parasita” e “Quem Quer Ser um Milionário?”. Não que alcance o brilhantismo dessas duas produções, mas só pela comparação já o torna digno de ser assistido.

O filme tem como intenção contar os valores da Índia através da história de um homem, o motorista Balram, que vindo de uma região pobre, busca por sua ascensão no mundo dos ricos. Trata-se um texto provocativo e que escancara a desigualdade social existente no país e nesta relação patrão e empregado fortemente enraizado na sociedade. O roteiro é uma adaptação do livro homônimo de Aravind Adiga, lançado em 2008.

O mais surpreendente no longa é o fato de nunca vitimizar seu forte protagonista. Ele sofre, perde, mas para vencer é capaz de atrocidades. Existe uma linha tênue ali entre sonho e obsessão, entre coragem e crueldade. O ator Adarsh Gourav é carismático e nos seduz para dentro da trama. Destaque, também, para a atriz Priyanka Chopra que se sai muito bem como coadjuvante.

A quase que ininterrupta narração acaba por atropelar diversos acontecimentos da trama, por vezes, nos impedindo de desfrutar alguns desdobramentos que mereciam mais cuidado. O final é um claro exemplo disso. Simplesmente acontece, nos é explicado, mas é abruptamente resolvido. Outro momento é quando envolve um assassinato que poderia levar o filme para uma nova direção, mas se encerra com a mesma facilidade em que começou. Tendo isso em mente, sinto que temos uma história poderosa mas que nunca ganha o tratamento que merecia, principalmente por esta pressa em terminar os tantos ciclos que inicia.

A direção de Ramin Bahrani (99 Casas) funciona, trazendo dinamismo e ritmo para um filme que nunca perde a empolgação. É o momento mais comercial de sua carreira que, espero, o alavanque para novos e interessantes projetos no futuro.

NOTA: 7

  • País de origem: EUA
    Ano: 2021
    Título Original: The White Tiger
    Duração: 125 minutos
    Diretor: Ramin Bahrani
    Roteiro: Ramin Bahrani
    Elenco: Adarsh Gourav, Rajkummar Rao
    , Priyanka Chopra

Os 25 melhores filmes de 2020

2020 foi um grande e longo filme de terror. No meio de uma pandemia e nossas tantas crises pessoais que se iniciaram, a arte veio para ser nosso suporte. Ainda que os cinemas tenham sido fechados e mesmo quando reabertos, optamos por não ir, os filmes ainda estiveram presentes em nossas vidas. Alguns poucos vistos na tela grande, outros em plataformas de streaming ou VOD. Foi um ano que consegui assistir bastante coisa e por isso esta lista é tão especial, porque resume bem tudo o que descobri de melhor.

Os filmes que seleciono aqui foram lançados no Brasil entre janeiro e dezembro de 2020. Espero que gostem dos selecionados e caso não tenham visto algum, já deixo aqui como dicas a serem achadas também.

Menções honrosas: “Host” entregou um terror refinado mesmo com um baixíssimo orçamento e merece destaque. Sacha Baron Cohen foi gênio e fez de “Borat: Fita de Cinema Seguinte” uma sequência incrível e superior ao original. “On The Rocks” foi um belíssimo e cativante retorno de Sofia Coppola ao cinema e a animação “Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica” foi mais um divertido e emocionante acerto da Pixar.

25. O Homem Invisível
de Leigh Whannell | EUA

“O Homem Invisível” é a prova de que remakes não precisam seguir à risca a matéria original. É possível se ter um olhar diferente sobre o mesmo universo e o longa de Leigh Whannell teve essa ousadia de propor algo diferente do que já existia. O terror está ali, a tensão e a protagonista tentando escapar do homem que ninguém vê. A obra, com muita perspicácia, reformula a ideia e traz temas muito atuais para dentro da história. Elisabeth Moss está ótima.

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24. O Diabo de Cada Dia
de Antonio Campos | EUA

Filmes que se vendem pelo grande elenco geralmente dão muito errado. Felizmente, “O Diabo de Cada Dia” acerta ao não tentar se manter pelas boas atuações e sim na boa trama que ali é construída e na profundidade de cada indivíduo retratado. O longa de Antonio Campos revela essa sociedade grotesca que tem como base o fanatismo religioso e como uma pequena ideia apresentada lá no início se desenrola modificando a história de diversos personagens. É inteligente, bem desenvolvido e me lembrou muito o cinema dos anos 90, o que é um baita de um elogio.

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23. A Assistente
de Kitty Green | EUA

“A Assistente” é um filme simples, pequeno, mas de uma importância e relevância gigantesca no cenário atual. Vinda de uma carreira em documentários, a diretora Kitty Green faz um aqui um recorte poderoso sobre os bastidores do entretenimento que deram origem à movimentos como o #metoo. Através de uma protagonista ingenua, defendida muito bem por Julia Garner, somos colocados para dentro de um ambiente tóxico de trabalho, onde o assédio sexual existe e todos fingem não ver. É assustadoramente possível e um discurso que precisava ser dito.

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22. O Preço da Verdade – Dark Waters
de Todd Haynes | EUA

Sob o comando do cultuado Todd Haynes, o longa é baseado em um caso real, onde um advogado (Mark Ruffalo, em ótima performance), especializado em meio ambiente, entra na justiça contra uma poderosa corporação que despejava resíduos químicos no abastecimento de água de uma região. Indo muito além do simples “filme denúncia”, temos aqui uma produção fantástica e um diretor atento aos detalhes, que preza pela qualidade de sua história assim como pelo poder de suas imagens. O roteiro é excepcional e nos deixa completamente abismados por seus assustadores desdobramentos.

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21. Luce
de Julius Onah | EUA

Adaptação de uma peça teatral, “Luce” é um poderoso thriller psicológico que narra a conflituosa relação entre quatro personagens centrais. É o tipo de filme que cresce lentamente, que inicia com uma problemática pequena mas que acaba ganhando proporções cada vez mais assustadoras. Lento na medida, a obra caminha como se uma bomba pudesse explodir a cada instante. A complexidade de cada personagem permite que a trama siga por caminhos imprevisíveis e torne este provocativo embate – de racismo em um ambiente escolar – em uma experiência intensa e reveladora.

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20. Professor Polvo
de James Reed, Pippa Ehrlich | EUA, Singapura

Nunca pensei que eu poderia chorar vendo um filme sobre um polvo, mas esta deslumbrante produção da Netflix me permitiu isso. O documentário nos mostra a emocionante aventura de um cineasta em uma floresta subaquática da África do Sul, onde desenvolve uma inusitada relação de amizade com um polvo. O filme nos faz desvendar ao seu lado os mistérios daquele mundo tão desconhecido e nos fazer refletir sobre o milagre que é a natureza. Sobre o milagre que é a vida. Sobre o quão grande e poderoso é o ato de existir.

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19. Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre
de Eliza Hittman | EUA, Reino Unido, Irlanda do Norte

Requer muita coragem debater sobre aborto por ser um tema ainda muito tabu em nossa sociedade. “Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre” revela de forma crua, sutil e arrebatadora a jornada de uma jovem que, para interromper uma gravidez indesejada, decide ir até Nova York realizar um aborto. É um caminho lento, silencioso, mas de uma força esmagadora. A diretora Eliza Hittman traz uma abordagem bastante naturalista e próxima ao documental, através de um roteiro que foge de explicações óbvias ou julgamentos.

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18. As Ondas
de Trey Edward Shults | EUA

Ao narrar a dolorosa jornada de uma família norte-americana, corrompida por eventos trágicos, o diretor Trey Edward Shults constrói uma obra imersiva, intensa e cheia de excessos. A produção nos lança na velocidade de uma onda, turbulenta e cruel ao início até que se encontra a estabilidade. É desta forma que somos apresentados basicamente a dois filmes dentro de um. Quase como o lado A e lado B de um disco de vinil, logo que sempre somos guiados pelas batidas das músicas. “As Ondas” tem um ritmo alucinante, o que torna seus minutos em uma experiência sem igual e prazerosa.

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17. Queen & Slim
de Melina Matsoukas | EUA

Mais do que uma bem-vinda releitura de Bonnie e Clyde e aquela velha história do casal que foge após cometer um crime, “Queen & Slim” usa desta simples premissa para revelar um debate poderoso sobre a luta e resistência negra. O filme, incrivelmente comandado pela diretora Melina Matsoukas, diz muito sobre como essa estrutura racista, ainda que velada em nossa sociedade, transforma as interações humanas. É um belo e corajoso recorte, ilustrado em um deslumbrante road movie.

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16. Uma Vida Oculta
de Terrence Malick | Alemanha, EUA, Reino Unido, Irlanda do Norte

Retorno à boa forma do cineasta Terrence Malick, o longa narra a emocionante jornada de um soldado desertor austríaco na Segunda Guerra Mundial, que ao negar-se a lutar ao lado de Hitler, se torna fugitivo dentro de seu próprio país. É um cinema ainda bastante contemplativo, poético, reflexivo. Que nos faz mergulhar pelos pensamentos e pelas crises existenciais de seus personagens. Através de belas palavras de um texto extremamente delicado, conhecemos o íntimo de seu bravo protagonista. Sua garra, seus sonhos destruídos, sua dor e suas crenças.

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15. Bem-Vindo à Chechênia
de David France | EUA

“Bem-Vindo à Chechênia” é um soco doloroso. Documentário extremamente urgente e necessário sobre a perseguição sofrida pelos LGBTs em território russo. Acompanhamos um grupo de ativistas tentando encontrar abrigo e fuga para jovens que foram brutalmente torturados. Todos os relatos são assustadores principalmente porque há provas desses tantos crimes. Porque os criminosos têm nomes e endereços, mas ainda assim as autoridades do país se negam a reconhecer essas atrocidades. Como filme denúncia é um grande passo para o cinema também, por conseguir aplicar o deepfake na face daqueles que não podem falar. Justamente por isso é lindo e inspirador o instante em que um deles ganha finalmente um rosto na tela, quando ele passa a ser voz que ousa defender toda sua comunidade.

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14. Má Educação
de Cory Finley | EUA

“Má Educação” nos revela o maior caso real de corrupção já existente em uma escola pública nos Estados Unidos. O escândalo verídico ganha vida através de um roteiro esperto, que foge dos clichês de investigação jornalística e aposta na desconstrução do herói, aqui muito bem defendido por Hugh Jackman. É um personagem carismático e ao mesmo tempo uma grande incógnita. Um filme empolgante, bem construído e que enaltece cada ótimo desdobramento que tem em mãos. Se no começo mal sabemos onde a produção quer chegar, ao seu fim, estamos em choque pelo quão longe ela chegou. Simples, inteligente e fantástico.

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13. Você Não Estava Aqui
de Ken Loach | Bélgica, França, Reino Unido, Irlanda do Norte

“Você Não Estava Aqui” é mais um bom registro naturalista do britânico Ken Loach, que aqui causa impacto por suas grandes reflexões. Se aproxima do documentário ao falar da relação do homem com sua jornada de trabalho e nesta falsa sensação de liberdade que a “uberização” atual nos vende. No filme, uma empresa de entregas tenta motivar seus funcionários a serem empreendedores. O roteiro investiga o impacto que isso tem na vida de uma família e choca pela veracidade dos fatos. Um recorte preciso, honesto e bastante sensível.

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12. A Sun
de Mong-Hong Chung | Taiwan

Produção taiwanesa que acompanha uma família destruída por dois eventos trágicos. Esta é a base de uma história poderosa e emocionante, que ganha desdobramentos cada vez mais interessantes. O roteiro é brilhante e nos mantém presos, cativados por seus bons personagens e pela batalha interna que cada um constrói ali. É lindo como tudo flui com a mesma naturalidade da vida. A perda, a dor, a superação. Tudo guiado por um ato de bondade ou uma vontade de recomeçar. Uma jornada que envolve perdão, empatia, redenção e jamais narra isso de maneira óbvia ou de fáceis conclusões.

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11. Transtorno Explosivo
de Nora Fingscheidt | Alemanha

Intenso drama alemão, o longa nos conta a conturbada jornada de Benni, uma garota de apenas nove anos que vive em lares adotivos devido seu comportamento explosivo e seus surtos de raiva. É poderosa toda a construção da obra que nos deixa imersos neste universo único e violento no qual vive a protagonista, incrivelmente defendida pela jovem Helena Zengel. As cenas em que ela é doce ou tenta impressionar os outros por medo da solidão são de cortar o coração. Um registro potente e corajoso de uma infância incomum, que nos destrói e ao mesmo tempo nos encanta pela sensibilidade. É forte e dilacerante.

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10. Corpus Christi
de Jan Komasa | Polônia

“Corpus Christi”, que chegou a ser indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, questiona a hipocrisia dos cidadãos de bem que pregam uma religião. A trama é bastante curiosa e nos intriga, nos levando a acompanhar a inusitada jornada de Daniel, um jovem problemático vindo de um reformatório, que se passa por padre de uma paróquia em um pequeno e conservador vilarejo. Existe coragem nos belos discursos da obra, que vem não para questionar a fé ou diminuir o valor do cristianismo. Vem para indagar, nos fazer olhar para a farsa. Não a farsa do jovem que se faz de padre, mas da farsa que vemos todos os dias, da de pessoas que usam da fé como discurso de ódio. Desta “religião” sem nenhum senso de bondade, igualdade e perdão.

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9. The 40-Year-Old Version
de Radha Black | EUA

Facilmente uma das produções mais interessantes que a Netflix lançou em 2020. Estreia de Radha Blank na direção, que imprime, em seu fascinante texto, sua luta diária como mulher, preta e artista. Ela se coloca como protagonista da própria história – da escritora de 40 anos que nunca teve espaço para realizar sua arte – e faz de “The 40-Year-Old Version” o seu grande manifesto. De forma ousada e sincera, ela aponta uma ferida antiga dentro do cinema, onde o preto apenas tem espaço para ilustrar uma pobreza estereotipada e servir de troféu para histórias de brancos salvadores. Ela traz humor em seu relato, sem jamais diminuir o impacto de seu poderoso e necessário discurso. Um filme brilhante que, definitivamente, precisava existir.

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8. Belle Époque
de Nicolas Bedos | França

“Belle Époque” é o filme que 2020 precisava. Comédia francesa leve e incrivelmente apaixonante de Nicolas Bedos, que narra a divertida história de um senhor que contrata uma empresa que o permite reviver o dia mais especial de sua vida: quando ele conheceu sua esposa. É uma produção leve, mágica, imensamente encantadora, que nos causa fascínio ao transitar entre passado e presente, entre realidade e ficção. “Belle Époque” é poesia aos saudosistas que nesta reencenação do começo de uma história de amor, nos faz pensar em como criamos expectativas em uma relação baseados na perfeição do início. Somos tolos ao buscar no outro aquilo que um dia foi. Um conto criativo que faz bem demais ao coração.

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7. A Arte de Ser Adulto
de Judd Apatow | EUA

Comédia agridoce de Judd Apatow, o longa dá palco para o jovem comediante Pete Davidson expor sobre sua jornada peculiar e sua dor pessoal. O roteiro é impecável e usa do humor para relatar algo melancólico, emocionando mesmo quando não tem pretensão. A trama narra o amadurecimento tardio de um homem de vinte e quatro anos, que não vê qualquer sinal de perspectiva em sua vida depois de perder o pai. A obra causa uma incômoda e rápida identificação com essa frustração de envelhecer. É fácil criar empatia por este sentimento de fracasso quando se chega à fase adulta, quando se tem a mesma idade daqueles que estão vencendo. Confesso que senti uma conexão muito grande com tudo o que vi e fiquei devastado por toda a honestidade e sentimentos expostos. Nem sempre a comédia tem esse poder. Mas essa não é uma comédia qualquer e esse não é um filme qualquer.

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6. 1917
de Sam Mendes | EUA, Reino Unido, Irlanda do Norte

Guerra já foi tema de muitos filmes no cinema e é interessante quando surge uma obra que tem algo novo a mostrar. “1917” facilmente se destaca neste subgênero e merece reconhecimento por suas tantas qualidades técnicas. Um trabalho de produção admirável, que resgata um período histórico com precisão e nos faz viver, durante seus belos minutos, o desespero em estar na pele de seu protagonista, vivendo sob o caos e a tensão de tudo aquilo. O novo longa de Sam Mendes é uma experiência sem igual, imersiva, angustiante e extremamente bem realizada. A opção por gravar suas ações em um quase que ininterrupto plano sequência, torna tudo ainda mais fascinante de assistir. É um deleite visual e um exercício narrativo e cinematográfico altamente ousado.

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5. Soul
de Pete Docter | EUA

Sem dúvidas, a melhor animação da Pixar desde “Divertida Mente”. É um momento muito especial para o estúdio, que entrega aqui o que há de melhor em suas criações. Um filme visualmente belíssimo, onde todas as cenas causam impacto, tamanha perfeição e deslumbre que alcança. Ao narrar a divertida jornada de Joe que vai parar no mundo das almas, “Soul” acaba sendo um lembrete sensível de que nossa existência vai além da conquista de um propósito, de uma habilidade. De que nossos sonhos é que nos impulsiona, mas não é o todo. Uma produção inventiva, original e o mais importante, feita de coração.

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4. Jojo Rabbit
de Taika Waititi | Alemanha, EUA

Uma obra que se propõe a ser uma sátira anti-ódio e acaba sendo um produto extremamente atual, que facilmente dialoga com os novos tempos. Ao revelar os horrores da guerra e da Alemanha ocupada pelos Nazistas através do olhar inocente de uma criança, o longa além de ganhar uma deliciosa liberdade narrativa, nos faz refletir sobre nossa realidade e como tantos discursos de ódio infundados são reproduzidos facilmente em nome de uma doutrina ou de um fanatismo cego a um líder. O diretor e roteirista Taika Waititi acerta a mão e realiza um trabalho bastante original, mágico, surpreendentemente triste e doce.

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3. Joias Brutas
de Ben e Josh Safdie | EUA

“Joias Brutas” é uma surpresa em muitos aspectos. Vai além do que esperamos de um filme e muito além do que esperamos de Adam Sandler, que entrega aqui a melhor atuação de sua carreira. Pelo olhar do endividado Howard, somos levados a um turbilhão de emoções nesta sua saga de sobrevivência em um mundo onde todos querem devorá-lo. É assim que este novo trabalho dos irmãos Safdie se torna pura catarse e ataca nossa ansiedade. Cada segundo parece ter uma informação nova e a todo instante o universo que cria parece virar de ponta cabeça. É eletrizante, intenso, verborrágico e nos faz rir no meio de suas tantas tragédias. Um filme único e revigorante.

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2. O Som do Silêncio
de Darius Marder | EUA

Belíssima revelação de Darius Marder na direção, ele entrega um filme poderoso, íntimo, milagroso até, eu diria. Seu cinema transcende e alcança instantes de uma emoção indescritível. Ele nos apresenta à Ruben, o baterista que, ao perder a audição, mergulha em uma maré de incertezas, atormentado pelo silêncio que parece arruinar seu futuro. Um obra inquietante que permite ao ator Riz Ahmed entregar a mais potente e comovente atuação do ano. “O Som do Silêncio” é um conto poderoso sobre adaptação e sobre como é da natureza humana este dom de se moldar a uma nova circunstância. É sobre ouvir o que há dentro de nós e como não há barulho mais ensurdecedor que esse. Eu senti a dor, a angústia, o medo, o aperto no peito. Encontrei aqui uma das experiências mais incríveis que tive vendo um filme este ano.

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1. Retrato de Uma Jovem em Chamas
de Céline Sciamma | França

“Retrato de Uma Jovem em Chamas” é uma preciosa obra de arte. Um trabalho que alcança um nível de perfeição extremo, que nos deixa sem palavras ao seu fim e encantados por todas as belas decisões que ali foram tomadas. Somos levados à França do século 18 e na belíssima relação entre duas mulheres, a pintora e seu objeto de estudo, sua musa. É lindo quando, deste ato puro de observação entre as duas personagens, nasce uma história de amor. É assim que a diretora Céline Sciamma constrói um filme altamente contemplativo, encontrando beleza nos detalhes. Por fim, me senti completamente emocionado pela forma com que tudo foi guiado, pela sensibilidade de traduzir sentimentos tão puros. Como as imagens, visualmente tão poderosas, as sensações que a produção nos permite sentir ecoa dentro de nós. Lindo, apaixonante, a obra de arte que 2020 precisava. É imbatível. O melhor filme do ano.

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E para você? Qual o melhor filme de 2020?

Retrospectiva 2020: os destaques do ano

2020 foi um ano estranho. A pandemia do coronavírus impactou diversos setores e o cinema foi um deles. Foi um ano atípico para a sétima arte que teve que dar seus pulos para se manter na ativa. É estranho olhar para trás e perceber que não tivemos grandes lançamentos na tela grande. No começo, alguns filmes estavam preparando terreno para o que viria nos próximos meses como “Aves de Rapina” e a bela surpresa “O Homem Invisível”. As obras que estamparam as listas do Oscar também fizeram bonito e indicavam um bom ano cinematográfico como “1917”, “Jojo Rabbit” e “Adoráveis Mulheres”. Eis que tudo parou e, o mais assustador, sem previsão de retorno.

Foi aí que os mais aguardados lançamentos tiveram suas datas alteradas, duas, três, quatro vezes até saírem oficialmente do calendário de 2020. Algumas distribuidoras ainda arriscaram levar alguns títulos ao cinema, chegando produções como “Novos Mutantes” e “Tenet”, que tinha como intuito trazer o público de volta. Não deu certo, não era o momento. “Mulher-Maravilha 1984” conquistou mais retorno, mas as críticas negativas talvez o tenham impedido de crescer mais. Não tivemos Marvel neste ano, o que não acontecia desde…sei lá quando.

É neste cenário que as plataformas de streaming ganharam a confiança do público brasileiro, como a única fonte de novos filmes. A “Netflix” tornou possível as discussões sobre cinema, sobre lançamentos, sobre novidades. Apostou nos “blockbusters” como “Old Guard”, “Resgate” e “Power”, além de ser o espaço para diretores consagrados retornarem como David Fincher, Ron Howard e Charlie Kaufman. O “Prime Video” também se mostrou necessário com lançamentos relevantes como a sequência de “Borat” e um dos melhores do ano, “O Som do Silêncio”. Veio ainda, para acrescentar, o Disney Plus, que trouxe novidades aguardadas como o live action de “Mulan” e a animação da Pixar “Soul”.

Tendo tudo isso em mente, venho aqui para enaltecer as produções que tivemos neste insano 2020. Criei uma premiação fictícia, reunindo em 16 categorias técnicas, filmes que merecem destaque. Selecionei todos aqueles lançados no Brasil entre janeiro e dezembro. Espero que gostem.

1. Jóias Brutas
2. O Som do Silêncio
3. The Forty-Year-Old Version
4. Soul
5. A Arte de Ser Adulto
6. On The Rocks

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1. Jojo Rabbit
2. Má Educação
3. Adoráveis Mulheres
4. Luce
5. O Preço da Verdade – Dark Waters
6. O Diabo de Cada Dia

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1. Soul
2. Wolfwalkers
3. Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica
4. Os Irmãos Willoughby
5. A Caminho da Lua

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1. 1917
2. O Farol
3. Uma Vida Oculta
4. Monos
5. Retrato de Uma Jovem em Chamas
6. Devorar

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1. 1917
2. Emma.
3. Mulan
4. Jojo Rabbit
5. A Verdadeira História de Ned Kelly
6. Mank

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1. Emma.
2. Adoráveis Mulheres
3. Mulan
4. A Voz Suprema do Blues
5. Aves de Rapina
6. Enola Holmes

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1. Estou Pensando em Acabar com Tudo
2. O Escândalo
3. Mulan
4. Power
5. A Verdadeira História de Ned Kelly
6. Aves de Rapina

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1. 1917
2. Tenet
3. Mulan
4. O Céu da Meia-Noite
5. O Homem Invisível
6. Mulher-Maravilha 1984

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1. Jóias Brutas
2. O Som do Silêncio
3. Tenet
4. As Ondas
5. Estou Pensando em Acabar com Tudo
6. O Homem Invisível

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1. Trent Reznor e Atticus Ross (Soul)
2. James Newton Howard (Uma Vida Oculta)
3. Alexandre Desplat (Adoráveis Mulheres)
4. Hans Zimmer (Era Uma Vez um Sonho)
5. Ludwig Göransson (Tenet)
6. Oneohtrix Point Never (Jóias Brutas)

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1. Stand Up (Harriet)
2. Queen Bee (Emma.)
3. Nobody Knows I’m Here (Ninguém Sabe Que Estou Aqui)
4. Only the Young (Miss Americana)
5. My Power (Power)
6. Into The Unknown (Frozen 2)

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1. Os 7 de Chicago
2. Adoráveis Mulheres
3. A Voz Suprema do Blues
4. O Diabo de Cada Dia
5. Jojo Rabbit
6. Luce

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1. Helena Zengel (Transtorno Explosivo)
2. Sidney Flanigan (Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre)
3. Roman Griffin Davis (Jojo Rabbit)
4. Jodie Turner-Smith (Queen e Slim)
5. Betty Gilpin (A Caçada)
6. Maria Bakalova (Borat: Fita de Cinema Seguinte)

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1. Darius Marder (O Som do Silêncio)
2. Carlo Mirabella-Davis (Devorar)
3. Andrew Patterson (A Vastidão da Noite)
4. Radha Blank (The Forty-Year-Old Version)
5. Kitty Green (A Assistente)
6. Nora Fingscheidt (Transtorno Explosivo)
7. Lulu Wang (A Despedida)
8. Melina Matsoukas (Queen & Slim)
9. Dave Franco (Vigiados)

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1. Céline Sciamma (Retrato de Uma Jovem em Chamas)
2. Sam Mendes (1917)
3. Terrence Malick (Uma Vida Oculta)
4. Ben e Josh Safdie (Jóias Brutas)
5. Robert Eggers (O Farol)
6. Trey Edward Shults (As Ondas)
7. Greta Gerwig (Adoráveis Mulheres)
8. Todd Haynes (O Preço da Verdade – Dark Waters)
9. Sofia Coppola (On The Rocks)

Os 15 melhores atores de 2020

Finalizando as listas de melhores atuações do ano, venho agora para revelar os meus 15 atores favoritos de 2020. Confesso que foi uma lista difícil de fechar porque tivemos realmente grandes performances durante o ano. Personagens interessantes, desafiadores e diversos nomes que merecem destaque. Lembrando que as interpretações elegíveis eram aquelas presentes em filmes lançados no Brasil entre janeiro e dezembro de 2020.

Espero que gostem dos selecionados e aproveito, também, para deixar os títulos como dicas para assistir, pois todos aqui valem a pena a descoberta.

15. Ben Affleck
(O Caminho de Volta)

Sinceramente não sei qual foi a última vez que Ben Affleck entregou uma boa atuação e por isso foi tão bom vê-lo aqui, renovado e completamente entregue ao personagem. É forte e poderoso essa conexão que ele tem com o treinador e ex-atleta Jack, neste homem em depressão, que não tem controle sobre a bebida. Há muito do ator ali em cena, logo, ele oferece aqui o momento mais sincero de sua carreira.

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14. Jorge Garcia
(Ninguém Sabe Que Estou Aqui)

Atuação contida de Jorge Garcia, que ao longo de sua carreira ficou marcado por seu personagem na série “Lost”. Aqui ele ganha, finalmente, um espaço para explorar seu grande talento. Memo é um personagem introspectivo, recluso e dono de uma voz poderosa. Garcia traz verdade em cena e encanta.

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13. Paul Walter Hauser
(O Caso Richard Jewell)

Richard Jewell é um personagem interessantíssimo, que nos causa dúvidas, nos faz refletir sobre sua índole a cada instante e nos deixa intrigados por toda sua jornada. Paul Walter Hauser, que tem trilhado uma carreira como coadjuvante cômico, surpreende como protagonista e revela uma faceta nova como ator.

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12. Kelvin Harrison Jr.
(Luce)

É intrigante como um ator tão jovem é capaz de construir na tela um personagem tão complexo. Ainda que nunca fique realmente claro sobre quem é “Luce”, é brilhante o trabalho de Kelvin Harrison Jr.. Ele se mantém como uma incógnita, podendo ser a vítima de perseguição ou um sociopata em ascensão. Um trabalho difícil que ele, mesmo com pouca experiência, domina.

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11. George MacKay
(A Verdadeira História de Ned Kelly)

George MacKay é um ator que tem crescido bastante e tem tudo para ser um profissional prestigiado, no caminho certo ele está e é um nome para ficarmos de olho. Além de surpreender como protagonista de “1917”, ele também brilha aqui com outro protagonista extremamente diferente e poderoso, como Ned Kelly. A evolução do personagem é um tanto quanto confusa pelo bagunçado roteiro, mas felizmente temos um ator competente que dribla essa falta de informação com seu talento e nos mantém atentos por sua poderosa performance.

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10. Antonio de la Torre
(A Trincheira Infinita)

Na pele de Higinio, Antonio de la Torre entrega uma atuação formidável. A história do homem que passou mais de três décadas escondido em um porão, fugindo de um regime autoritário que comandava a Espanha. É um registro assustador, comovente e o ator transmite todo o desespero e agonia de se viver desta forma, recluso, sem vida.

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9. Sope Dirisu
(O Que Ficou Para Trás)

Em “O Que Ficou Para Trás” acompanhamos um casal de refugiados iniciando uma vida na Inglaterra. É um conto de terror que ganha força pela entrega dos dois atores. Sope Dirisu mergulha neste mar de desespero e incertezas, revelando uma atuação potente e nos levando ao inferno ao seu lado.

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8. Gary Oldman
(Mank)

Gary Oldman é aquele famoso camaleão, que sempre vai trazer algo novo para um personagem e se transformar na tela. Na pele do roteirista Herman J. Mankiewicz, o ator traz algo bem mais contido do que aquele que venceu o Oscar (em O Destino de Uma Nação) e ainda assim, melhor. É um papel mais limpo, mais sincero, provando, mais uma vez, ser um dos maiores atores ainda em atividade.

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7. Chadwick Boseman
(A Voz Suprema do Blues)

É um tanto quanto doloroso vir aqui e elogiar Chadwick Boseman, dizer sobre o tamanho do talento dele e o quanto ele se doa ao papel. Falar sobre o ator é lembrar “do que poderia ter sido”. “A Voz Suprema do Blues” carrega esse peso de ser o último trabalho deste grande ser humano. É um registro primoroso porque ele deixa marcado sua real potência. Existe entrega, carisma e existe honestidade.

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6. August Diehl
(Uma Vida Oculta)

Não conhecia o trabalho deste ator alemão e fiquei imensamente surpreso por sua presença no drama “Uma Vida Oculta”. Trata-se de um papel forte e ele domina cada instante. Como um soldado desertor na Segunda Guerra Mundial, ele emociona e nos carrega a uma jornada de dor, solidão e medo. Grande ator, espero poder ver mais dele.

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5. Mark Ruffalo
(O Preço da Verdade – Dark Waters)

Bela transformação de Mark Ruffalo neste drama de investigação como o advogado Rob Bilott, que arrisca sua carreira para enfrentar uma das maiores corporações do mundo. Existe garra em sua performance, aquele senso de justiça e cansaço de alguém que por anos esteve preso no caso. Mais um belo personagem em sua bela carreira.

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4. Hugh Jackman
(Má Educação)

Hugh Jackman é um sujeito interessante. Parece não haver limites para sua atuação, não há algo que ele não faça. Na pele de um superintendente de uma escola que acaba se envolvendo em um perigoso caso de corrupção, o ator revela uma faceta nova, que intriga, nos envolve. A cada minuto de produção, descobrimos algo que muda nossa percepção sobre o personagem e o ator tem este poder de se transformar sob os nossos olhos.

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3. Adam Sandler
(Jóias Brutas)

2020 foi um ano estranho e o começo dele já foi um alerta de que algo de errado não estava certo. Adam Sandler nos entregou uma boa atuação. E não foi só uma transformação de alguém acostumado na comédia e foi para o drama. Como o endividado e inquietante Howard, Adam foi além, muito além do que poderíamos imaginar dele. É, definitivamente, o melhor momento de sua carreira. A comédia ainda está lá, mas ele ainda assim se renova, revela algo que em anos de trabalho não havia mostrado. É brilhante, é poderoso.

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2. Robert Pattinson
(O Farol)

Robert Pattinson tem uma das trajetórias mais interessantes no cinema recente. O jovem ator teve que se virar do avesso para provar ser capaz. Se envolveu em projetos independentes e de grande ousadia e hoje se mostra um dos atores mais promissores de sua geração. Em “O Farol” ele entrega o seu melhor até aqui. Não sou muito fã do filme, mas sua atuação eleva a produção a outro nível.

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1. Riz Ahmed
(O Som do Silêncio)

Minha atuação favorita de 2020. Riz Ahmed me levou para uma outra dimensão. Foi além de uma simples interpretação. É muito poderoso e forte o que o ator realizou em “O Som do Silêncio”, que me deixou hipnotizado, emocionado e completamente imerso ao universo proposto pela produção. Ruben é um personagem grande, que precisa atravessar uma maré de incertezas e medos. Que precisa aceitar uma realidade da qual ele não teve preparo. O baterista que perde a audição é uma bela jornada de auto aceitação, de adaptação. Riz Ahmed personifica esse estado de tensão, de ansiedade, de dor, de querer gritar e não poder se ouvir. É lindo o que ele fez no filme e nada neste ano me marcou tanto quanto o que ele fez aqui.