Crítica: O Som do Silêncio

O som que vem de dentro

Primeiro longa-metragem de ficção dirigido por Darius Marder, que aqui também reprisa sua parceria com Derek Cianfrance (O Lugar Onde Tudo Termina) como roteirista. Belíssima revelação, ele entrega um filme poderoso, íntimo, milagroso até, eu diria. Seu cinema transcende e alcança instantes de uma comoção indescritível.

“Sound of Metal” se inicia com o som exacerbado de um show de rock. Duas almas ali vibram em cima de um palco, entregando toda a fúria e paixão que guardam dentro de si. Ruben Stone (Riz Ahmed) é o baterista e Lou (Olivia Cooke, ótima) é sua parceira na vida e quem entrega a voz na turnê que estão fazendo. Quase como dois nômades rodeando o mundo e distante de todos. Tudo muda quando Ruben começa a perder sua audição e lhe é recomendado se afastar de sons altos para que pudesse salvar o pouco que ainda ouve. Completamente sem direção, o baterista acaba aceitando aquilo que parecia sua única saída, adentrar em um grupo de apoio para pessoas surdas, mergulhando em uma maré de incertezas e angústias, atormentado pelo silêncio que parece arruinar seu futuro.

Uma obra tão inquietante quanto seu protagonista. Quando parece se acomodar, salta em uma nova direção. Seus momentos iniciais são poderosos e logo nos afundam juntamente com Ruben e esta iminente perda de todo seu sustento e razão de viver. É assim que a presença de Riz Ahmed se revela tão potente. Ele demonstra com precisão essa fragilidade e ansiedade, esse medo diante do abismo que sua vida alcança. Quando o som que rodeava toda sua existência se extingue, ele precisa encarar uma nova e assombrosa realidade. O protagonista, porém, sempre está diante de um grande dilema e tem dificuldade em ver as coisas com muita clareza, em se aceitar. Diante de um ambiente que simboliza sua salvação ali, ele se depara com inúmeras pessoas que enfrentam a ausência de audição, mesmo que Ruben nunca se veja como um igual. É extremamente sensível a forma como a obra desenha este lugar. Há otimismo, compaixão e nos faz refletir, de fato, a importância da inclusão em relação às pessoas surdas que poucas vezes ganharam espaço no cinema e na sociedade. É um tema de extrema relevância e guiado com delicadeza pela produção. Destaque, também, para o ator Paul Raci, que passa a ser seu mentor neste novo lugar. É um coadjuvante de ouro, que brilha e emociona em cena.

Todo o trabalho de som é absurdamente bem explorado aqui. É brilhante como a câmera está sempre muito bem posicionada e como ela influencia na maneira como o som é aplicado. Dependendo da perspectiva, seja do protagonista, seja do mundo de fora, é interessante como a equipe consegue criar essa diferenciação e como consequência, nos fazer adentrar ao universo a qual Ruben se encontra. É incômodo quando sua audição é cortada ou, até mesmo, quando o diretor nos censura a ouvir certos sons que para nós é tão natural. O filme nos dá esta dimensão do silêncio e o que ele provoca na mente do personagem. É imenso quando ele ouve música através de uma matéria física, sentindo as vibrações pelo toque. Este é o som do metal. Neste sentido, o instante final da obra é de uma beleza e poesia inigualável. Ruben finalmente se encontra e não é uma trajetória fácil.

Viver é estar em uma montanha russa. Sempre rodando, sempre nos levando para um novo trilho. Às vezes acontece de estarmos no alto, outras somos arrastados para baixo. E quando isso acontece precisamos saber lidar com o que a vida nos oferece. Talvez seja intrínseco do ser humano saber se adaptar, enxergar como é possível se moldar a uma nova circunstância. E só cabe a nós mesmos nos salvarmos, ouvir o que há lá dentro. E não há nada mais barulhento do que o som que vem de dentro. Eu senti a dor, a angústia, o medo, o aperto no peito. “O Som do Silêncio” me fez sentir e me entregou uma das experiências mais incríveis que tive vendo um filme este ano.

NOTA: 9,5

  • País de origem: EUA
    Ano: 2020
    Título Original: Sound of Metal
    Disponível: Prime Video
    Duração: 130 minutos
    Diretor: Darius Marder
    Roteiro: Darius Marder, Derek Cianfrance
    Elenco: Riz Ahmed, Olivia Cooke, Paul Raci, Mathieu Amalric

Crítica: Mank

A bela jornada apática de Fincher

Aguardado retorno do mestre David Fincher, ele chega naquele ponto em que muitos diretores consagrados chegaram: fazer sua grande homenagem à Hollywood. É um projeto bastante pessoal, visto que aqui ele conta com o roteiro de seu próprio pai, Jack Fincher, que faleceu em 2003. “Mank”, justamente, dá protagonismo aos roteiristas, e esses indivíduos históricos que fizeram o cinema acontecer.

O filme faz um recorte na vida do roteirista Herman Mankiewicz e sua tumultuada jornada durante a produção de “Cidadão Kane” e sua busca por receber créditos pela obra. Apesar do belo conceito e por contar com uma produção deslumbrante – que facilmente o levará para as próximas premiações – é uma grande decepção. Na intenção de simular o cinema da época, David Fincher entrega seu trabalho mais engessado enquanto diretor. Desde o excesso de fade out, aos ruídos na imagem comum em rolo de filmes antigos, ao pedante letreiro na tela indicando ser um roteiro dentro de um roteiro. São escolhas visuais que se espera de um produto como esse, o que torna frustrante ver um diretor como Fincher se render a tanta obviedade. É o produto menos expressivo de toda sua carreira.

“Mank” é presunçoso e acontece sem nos convidar. Não apresenta nenhum conflito real ou algo que impulsione a trama. Nem mesmo as relações entre os personagens parece ter alguma relevância. Pouco se aprofunda em Mank, não nos permitindo sentir qualquer coisa a seu respeito. Gary Oldman é ótimo, mas seu protagonista não merece duas horas de nosso tempo.

Além de Oldman, Amanda Seyfried brilha na pele da atriz Marion Davis. Ela ilumina o filme mesmo com tão pouco tempo de cena.

NOTA: 6

  • País de origem: EUA
    Ano: 2020
    Disponível: Netflix
    Duração: 131 minutos
    Diretor: David Fincher
    Roteiro: Jack Fincher
    Elenco: Gary Oldman, Charles Dance, Amanda Seyfried, Lily Collins, Tom Pelphrey

Crítica: Lucy in The Sky: Uma Lágrima na Imensidão

Tão vazio quanto o espaço

Levemente inspirado no caso real vivido por Lisa Nowak, uma astronauta na NASA que em 2007 virou notícia depois de uma tentativa de sequestro e agressão contra uma companheira de trabalho. O longa, dirigido pelo novato Noah Hawley, que vem de séries como “Legion” e “Fargo”, evita o sensacionalismo de um noticiário e tenta investigar a mulher por trás desses eventos. Aqui, Lisa é Lucy, interpretada por Natalie Portman, profissional que há anos se dedicou à viagem espacial e que, após retornar de uma missão, se depara com uma forte crise existencial, perdida em sua realidade na Terra.

O primeiro ato de “Lucy in The Sky” é altamente fascinante. Ainda que exista uma certa arrogância na protagonista, o roteiro nos faz mergulhar em sua mente e neste estado em que se encontra. Dentro de uma nave, ela avista a imensidão do mundo e sente o real significado da solidão. De volta à Terra, Lucy se depara com uma rotina mundana, de ir ao mercado e viver ao lado de seu pacato marido (Dan Stevens). Ver a existência por uma nova perspectiva a fez compreender a insignificância da humanidade, o quão pequeno somos diante do todo. Em certo momento, seu parceiro afirma acreditar que ela nunca, de fato, retornou. E nesta necessidade de se ver longe novamente de tudo isso, Lucy se pressiona para participar de uma nova missão. Em seu forte envolvimento com o trabalho, ela passa a ter relações com o astronauta Mark (John Hamm), que se torna alvo de uma obsessão.

Neste primeiro instante, o diretor Noah Hawley constrói um produto intrigante. Sua câmera viaja pelas cenas como se fossem paisagens e nós as avistamos dentro de uma nave. Há dinamismo nesta sua condução, que altera constantemente o formato de seu filme, apostando em saídas visuais interessantes e vistas não muito usuais como as áreas, nos fazendo imergir dentro do universo da protagonista e nesta nova perspectiva com que ela vê sua própria vida. A trilha sonora assinada por Jeff Russo é poderosa, assim como a montagem.

O segundo ato, porém, quebra essa atmosfera tão bem orquestrada ao início e destoa de tudo o que o filme vinha construindo até ali. É estranho, incômodo e triste ver como a obra se transforma de uma hora para outra, decaindo e morrendo cena após cena. O roteiro parece ter desistido de seu plano ou simplesmente não compreendeu suas próprias ideias apresentadas. Nem mesmo a ambiciosa condução do diretor soube como guiar este novo filme que nasce, entregando, a partir de então, instantes vergonhosos e cafonas. Ignorando completamente este thriller psicológico e esta investigação de uma crise existencial, o longa passa a apostar em uma intragável obsessão da protagonista por seu affair e, consequentemente, uma perseguição policial. É bizarro acompanhar essa transformação e como nada funciona a partir dela. Ainda há uma tentativa frustrante de inserir humor, sendo mais uma prova da incoerência do produto, que se finaliza de forma assustadoramente ruim.

“Lucy in The Sky” nasce ambicioso e morre em sua metade. Nem mesmo a atuação de Natalie Portman salva, surgindo caricata e forçada. Não sei se por pressão do estúdio em tornar o filme mais comercial ou que, de fato, aconteceu que tenha motivado uma transformação tão drástica e cruel, culminando na morte de uma obra com uma premissa tão intrigante. Começa grande e termina tão vazio quanto o espaço avistado pela protagonista. Distante da realidade e distante do que prometeu lá em seu poderoso início.

NOTA: 5

  • País de origem: EUA
    Ano: 2019
    Título original: Lucy in the Sky
    Disponível: Telecine Play
    Duração: 124 minutos
    Diretor: Noah Hawley
    Roteiro: Brian C. Brown, Elliott DiGuiseppi, Noah Hawley
    Elenco: Natalie Portman, John Hamm, Dan Stevens, Ellen Burstyn, Zazie Beetz

Crítica: Era Uma Vez um Sonho

O peso das lembranças

Baseado no livro de memórias de J.D.Vance, “Era Uma Vez Um Sonho” mergulha nas dores de uma família em duas épocas distintas. O mais novo filme de Ron Howard, em parceria com a Netflix, diz muito sobre como o meio em que nascemos define grande parte de nosso destino. O peso das lembranças do protagonista é um fardo que precisa ser constantemente superado, ainda mais quando, anos depois, prestes a dar um grande passo na carreira, ele precisa recuar e retornar a sua cidade Natal para fazer aquilo que destruiu parte de sua infância, salvar sua mãe de seus vícios e surtos.

Ainda que a obra seja carregada de intenções nobres e tem lá seus momentos de forte comoção, o roteiro assinado por Vanessa Taylor (A Forma da Água) é muito esquemático. Existe uma construção repetitiva e calculada para causar impacto no público. Neste sentido, os flashbacks soam como uma muleta frágil da narrativa, sempre muito bem posicionados na intenção de justificar tal comportamento futuro de algum personagem. Para falar sobre os altos e baixos de uma família, o texto se perde em tantas oscilações, risivelmente indo do ódio à compaixão para suas conclusões simplórias. É assim que se dá espaço para gritarias, choros e tudo o que a produção acredita que possa impressionar a Academia do Oscar. É forçado e nada vem de forma natural ou honesta.

Amy Adams é uma atriz fantástica e com muita pena digo que é vergonhoso o papel que ela desempenha aqui. É triste vê-la se desgastando em sequências tão caóticas, de pouca inspiração. Glenn Close, infelizmente, também se perde no meio da caricatura. Existe entrega das duas, mas o roteiro é pobre demais para extrair algo de bom delas.

Ron Howard, que já vem de uma carreira inconstante, retorna com a mão mais pesada do que nunca e aqui peca, constantemente, pelo excesso. Ainda que seja piegas em todo seu discurso do sonho americano destruído, “Hillbilly Elegy” tem boas intenções ao falar sobre família, legado e perdão. É preciso destacar alguns pontos, também, como a sempre boa presença de Haley Bennett e a ótima trilha sonora composta pelo veterano Hans Zimmer. Sinto que a obra tem bom ritmo, conseguindo manter o público atento, apesar dos erros.

NOTA: 6,5

  • País de origem: EUA
    Título origina: Hillbilly Elegy
    Ano: 2020
    Disponível: Netflix
    Duração: 116 minutos
    Diretor: Ron Howard
    Roteiro: Vanessa Taylor
    Elenco: Amy Adams, Gabriel Basso, Glenn Close, Owen Asztalos, Haley Bennett, Freida Pinto

The Boys – Segunda Temporada

Um grande acerto do Prime Video lançar a série semanalmente. Cada episódio traz um evento grandioso, que se visto como maratona, perderiam o impacto. Baseado na HQ de Garth Ennis e Darick Robertson, a segunda temporada de “The Boys” é explosiva (literalmente) e retorna com críticas bem pertinentes sobre a política norte-americana, além da sempre ótima e irreverente sátira ao universo dos heróis.

Apesar de ter em mãos sacadas que beiram a genialidade, falta ainda saber como aproveitá-las para o bem da trama. Tudo vem em um ritmo tão alucinante que é quase impossível desfrutar de suas boas criações. São tantos temas interessantes que surgem e quando menos nos damos conta, já se foram. Na necessidade de ser um produto ágil, perde-se desenvolvimento e anula a possibilidade de criar qualquer vínculo com algum plot ou personagem.

O show deveria logo assumir a identidade “Os Sete”, porque são eles o grande destaque. Aya Cash como Tempesta foi uma detestável e adorável adição, enquanto Antony Starr continua a brilhar na pele do assombroso Homelander. The Deep segue aleatório e os “The Boys” seguem insuportáveis. Difícil aguentar qualquer coisa que envolva Billy Butcher.

NOTA: 7

  • País de origem: EUA
    Ano: 2020
    Disponível: Prime Video
    Elenco: Karl Urban, Antony Starr, Jack Quaid, Aya Cash, Erin Moriarty, Chace Crowford

O Gambito da Rainha

Como tornar uma história sobre xadrez interessante? Este é o grande obstáculo vencido na minissérie “O Gambito da Rainha”, que facilmente nos prende por seus belíssimos 7 episódios.

Baseado no romance de Walter Tevis, a obra nos leva a conhecer a hipnotizante jornada de Beth Harmon, que após perder a mãe, é levada para um orfanato, local que a faz conhecer o xadrez. Este é o primeiro passo de uma vida de excessos, de ascensão e fama, de perdas. O roteiro é brilhante, narrando com cuidado e uma riqueza de detalhes fascinante. Não é preciso entender e gostar de xadrez para embarcar na trama. A obra nos convida a todo instante a participar de seus gloriosos eventos e vamos com prazer, tamanho deslumbre que nos causa.

Anya Taylor-Joy cai como uma luva na pele da protagonista. É uma personagem intrigante, complexa, que enquanto vai de encontro ao seu maior adversário no esporte, precisa enfrentar seu passado, preenchendo as lacunas necessárias para seguir em frente. Sua presença é estonteante, nos faz torcer, vibrar e tentar entendê-la.

A produção é de um grande charme. Os figurinos traduzem com perfeição as tantas fases enfrentadas por Beth, assim como os cenários, objetos de cena, tudo em irreparável estado. A trilha sonora assinada por Carlos Rafael Rivera é um espetáculo, trazendo a tensão e emoção necessária para cada instante. Scott Frank dirige todos os episódios e ele sai daqui com um belíssimo produto no currículo. Ele conduz todos esses elementos de maneira admirável, mantendo o nível do começo ao fim.

“O Gambito da Rainha” é um belíssimo acerto da Netflix. Vale muito a pena se deixar levar por esta grande história e produção.

NOTA: 9

  • País de origem: EUA
    Ano: 2020
    Título original: The Queen’s Gambit
    Disponível: Netflix
    Elenco: Anya Taylor-Joy, Marielle Heller, Harry Melling, Thomas Brodie-Sangster, Jacob Fortune-Lloyde, Moses Ingram, Bill Camp

A Arte da Autodefesa

Esse filme poderia muito bem se chamar “O Grito da Masculinidade”, isso porque, no meio de sua trama absurda, é possível fazer um paralelo aos encontros motivacionais liderados por coachs que libertam a força e garra existente no macho alfa. “A Arte da Altodefesa” revela, através de seu humor negro, as consequências de se viver cercado por um ambiente masculino tóxico.

Jesse Eisenberg dá vida à Casey, um homem inseguro que decide entrar para um grupo de karatê depois que é agredido na rua por um estranho. Decidido a não sofrer mais esse tipo de humilhação, ele ganha gosto pelas artes marciais, passando a seguir os passos de um misterioso e carismático sensei. A relação entre os dois personagens ganham traços bastante complexos e seus desdobramentos bizarros, tornam a trama um tanto quanto fascinante, divertida sim mas altamente assombrosa.

“A Arte da Autodefesa” é um retrato triste deste homem que tenta recuperar sua dignidade e nesta sua busca acaba por ser forçado a gostar de “coisas masculinas”, a ser másculo, a não ter medo. Ele usa da violência para descontar suas tantas frustrações, se tornando aquilo que o intimida, aquilo que ele tanto odiava. O nascimento do ódio e a base cíclica de nossa sociedade.

Uma produção simples, mas incrivelmente eficiente. Destaque para a excelente e hipnotizante presença de Alessandro Nivola.

NOTA: 8

  • País de origem: EUA
    Ano: 2019
    Título original: The Art of Selfdefense
    Disponível: Telecine Play
    Direção: Riley Stearns
    Elenco: Jesse Eisenberg, Imogen Poots, Alessandro Nivola

Crítica: Nasce Uma Estrela

Este é o terceiro remake de “Nasce Uma Estrela”. A história da moça simples que cantava em um bar e acaba conhecendo o sucesso volta agora com Lady Gaga na pele da protagonista. Apesar da trama simples, os norte-americanos parecem ter um certo fascínio por ela. Digamos, porém, que não estamos falando de uma adaptação qualquer. Se trata de uma produção grande, bem realizada e que surpreende por ser apenas o primeiro trabalho de Bradley Cooper como diretor, que aqui também atua. Ainda que as canções apresentadas tenham força, é um musical de atuações, que aposta seu sucesso na forte presença de Cooper e Gaga, encantando como um bom entretenimento que é.

Lady Gaga é Ally, uma garçonete que conseguiu espaço para cantar as noites em um bar. Sua voz potente acaba chamando atenção do cantor Jackson Maine (Bradley Cooper), um astro do rock. Os dois se apaixonam e enquanto a relação entre eles vai crescendo, o sucesso dos dois acaba indo em direções opostas. Ele passa a ser uma espécie de mentor dela que logo encontra os holofotes e a fama repentina. Por outro lado, os problemas de Jackson com bebidas o faz perder cada vez mais o controle de sua carreira, que já não consegue mais seguir os mesmos passos daquela que tanto ama.

A música tem grande importância em “Nasce Uma Estrela”. É através dela que seus personagens expressam seus sentimentos. O amor, a dor e tudo aquilo que eles são feitos. É sincera cada canção apresentada e emociona este poder que possue nas vida de Ally e Jackson. Quando os dois cantam, algo mágico acontece. O filme para e adentramos em um novo universo. Aliás, um dos grandes méritos da obra é esta atmosfera que cria, nos colocando para dentro das cenas musicais e nos fazendo parte daquilo. Seja pelo alto nível da produção, a montagem e até mesmo do som, somos inseridos naqueles shows. O momento em que eles fazem o dueto de Shallow – uma das músicas originais da obra – é hipnotizante. Além disso, é maravilhoso vivenciar um pouco dos bastidores, das conversas e dos raros momentos de inspirações que levam aqueles astros a compor suas canções.

Acredito que o maior problema de “Nasce Uma Estrela” seja sua trama simplória. E pior do que ter uma trama simplória é ter um roteiro que não saiba conduzi-la. É muito fraco o desenvolvimento de tudo. Seja a relação dos protagonistas com suas famílias, seja a estranha facilidade com que Ally se joga nessa aventura e encontra a fama. As coisas fluem de forma picotada, sem muito sentido e sem muita profundidade. É difícil se conectar com essa evolução que os personagens enfrentam simplesmente porque é mal contada. Sinto que a trama foi explicada na primeira meia-hora de filme e tudo o que ele fez até o fim foi nos enrolar com situações repetitivas, que já não nos dizem mais nada. Tem pouco conteúdo e o pouco que tem é previsível demais, o que também não justifica sua longa duração. É frustrante ver o potencial que tinha, pela produção, pelos atores e canções e sentir que a base de tudo não foi bem planejada.

Admiro Bradley Cooper. É um projeto ambicioso demais para um primeiro filme. Não é sempre que ele acerta a mão, mas é nítido sua coragem e seus acertos se sobressaem. Como ator ele é ainda melhor, oferecendo um dos momentos mais relevantes de sua carreira, surpreendendo ainda com sua belíssima voz. A presença de Lady Gaga me deixa em dúvidas. Fiquei o tempo todo tentando caçar esta grande atuação que muitos falaram, mas pouco encontrei. É um papel desenhado para ela. Isso é bom porque é difícil imaginar outra artista em seu lugar, por outro lado o filme também enfraquece com essa escolha. Quando sua personagem vira, enfim, uma estrela, a obra estranhamente perde seu brilho, justamente porque já vimos Lady Gaga naquele momento. A dança e as altas notas alcançadas não perderiam o encanto da surpresa se fosse uma atriz que nunca tivesse enfrentado aquilo. Quando poderia ser um clímax, aqui se torna um estado de conforto. Ela, claro, faz tudo extremante bem feito… Mas quando foi que ela não fez? Gosto sim de vê-la em cena e digo que é uma profissional que respeito e admiro mas existe uma exaltação desta sua atuação que nunca se justifica. Ela é poderosa cantando, mas nas cenas dramáticas deixa a desejar. E muito.

“Nasce Uma Estrela” é um belíssimo espetáculo. Apesar dos erros, trata-se de um produto revigorante, marcante e comovente. No entanto, é exatamente o que sua canção Shallow já nos anuncia: vazio. Faz um bem enorme aos ouvidos, mas é vazio.

NOTA: 6,5

  • País de origem: EUA
    Título origina: A Star is Born
    Ano: 2018
    Duração: 135 minutos
    Diretor: Bradley Cooper
    Roteiro: Bradley Cooper, Eric Roth, Will Fetters
    Elenco: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott

Crítica: Antes do Anoitecer

A Revolução não é para todos.

Ao final da década 50, a Revolução Cubana, liderada por Fidel Castro, deu um novo rumo ao país que estaria, enfim, livre de uma ditadura. É neste cenário de transformação que Reinaldo Arenas, escritor de poesia, constrói sua história. “Antes do Anoitecer”, filme lançado 10 após sua morte, se baseia no livro de memórias do autor para investigar toda sua trajetória, desde sua miserável infância até os dolorosos anos em que foi torturado. É um resgate profundo de uma época, de uma vida inteira. Intenso e impactante ao falar da luta, da resistência. Sensível ao falar da arte, dos homens que ali viveram.

Reinaldo era um escritor assumidamente homossexual e isso definiu a dor que o fez sofrer no próprio país. A política comunista que ali se instaurou o via como uma ameaça, por não se alinhar aos valores dos revolucionários. Foi perseguido, preso e torturado pelo regime de Fidel. “Meu livro foi premiado em Paris e eu não tenho onde morar”. É revoltante e angustiante toda sua jornada. Dele que tinha tanto a dizer, que tinha a sensibilidade de entender todo aquele período. Que teve seus sonhos e sua liberdade interrompida apenas porque os outros não aceitavam a forma como ele amava. É sufocante perceber que Cuba passava por uma revolução e que a vida das pessoas estavam sendo transformadas, livres de um regime controlador. A grande questão desta história é por que aquela revolução não acontecia para todos? O que separava Reinaldo dos outros cubanos? Dos outros homens? Se na infância, ele brinca cavado em um buraco de terra, ao crescer, o mundo não o permite saltar para fora. Sempre censurado. Sempre repreendido. Reinaldo continua sendo a criança solitária. Que quer abraçar o mundo com sua arte, mas o mundo te silencia.

O autor deixa suas memórias escritas. Um legado de dor, mas também um legado de resistência. De esperança. Não haveria diretor mais ambicioso que o nova-iorquino Julian Schnabel para comandar tudo isso. Pintor profissional, ele tem a delicadeza de traduzir todos os sentimentos que pulsam neste grande personagem. “Antes do Anoitecer” é um sopro de sensibilidade. Sua poesia ganha vida na tela e Schnabel nos faz navegar por suas cenas e desfrutar da beleza de cada ato. Ele costura uma narrativa muito única aqui, fluída, expressiva e intensamente sentimental. É brilhante como o roteiro consegue contar toda sua trajetória, sem perder a profundidade de cada instante, sem diminuir a força de sua luta, de suas conquistas. Como são belos os momentos em que os artistas se encontram e dançam. Como eles se expressam para existir e combater aquilo que os reprimem. Existe uma sequência, em particular, que me deixou extasiado, quando Reinaldo enfim se assume ao som de Lou Reed. Aliás, me faltam palavras para descrever a presença de Javier Bardem aqui. Ele é grande, é honesto. Se entrega ao personagem e nos faz sofrer e amar ao seu lado. Se tornou, facilmente, uma das minhas atuações masculinas favoritas do cinema. É lindo e de um impacto raro. A obra ainda reserva surpreendentes participações de Johnny Depp e Sean Penn.

“Antes do Anoitecer” é um daqueles filmes que ficarão na minha memória. Assisto agora, 20 anos após seu lançamento e me sinto imensamente grato de ter me dado essa chance. Um filme poderoso por seus discursos e poético em sua forma. A vida de Reinaldo Arenas foi ignorada pela história, que optou por salvar os atos bravos dos homens que lutaram pela revolução. Fidel Castro. Che Guevara. Cuba Livre. A jornada do autor revela um lado da moeda que os livros não contam, a de que revoluções não servem para todos. Me faz pensar e refletir sobre toda a luta dos homossexuais. Das dores e das perdas, até que chegamos aqui. Reinaldo pode ter sido silenciado pela história, mas nunca pela arte.

NOTA: 10

  • País de origem: EUA
    Título origina: Before Night Falls
    Ano: 2000
    Duração: 133 minutos
    Disponível: Belas Artes À La Carte
    Diretor: Julian Schnabel
    Roteiro: Julian Schnabel, Lazaro Gomez Carriles, Cunningham O’Keefe
    Elenco: Javier Bardem, Olivier Martinez, John Ortiz, Sean Penn, Johnny Depp, Diego Luna

Crítica: A Maldição da Mansão Bly

A segunda temporada da série antológica da Netflix vem com um grande peso nas costas: manter a qualidade oferecida na fantástica “A Maldição da Residência Hill”. É natural que essa expectativa exista e, infelizmente, “Mansão Bly” não é apenas inferior à sua antecessora. Sou mais radical nesse caso…não chega aos pés.

Inspirada levemente na obra clássica de Henry James, “A Volta do Parafuso”, que por sua vez já foi adaptada outras vezes para a tela como em “Os Inocentes” (1961), “Os Outros” (2001) e mais recentemente em “Os Órfãos” (2020). Acompanhamos a chegada de uma tutora em uma mansão vitoriana para cuidar de duas crianças órfãs. Logo percebemos que algo de assombroso ocorre dentro daquelas paredes e a série, aos poucos, se propõe a dar suas respostas, que nunca surgem de forma clara ou muito óbvia. O que é ótimo, visto que nosso olhar já vai preparado por se basear em um material tão conhecido, e o roteiro, com toda sua liberdade narrativa, se arrisca a trazer novos detalhes, quase como se expandisse esse universo criado por James. No entanto, tudo o que a trama nos oferece de “novo” é mal trabalhado e pouco causa interesse.

A série encabeçada por Mike Flanagan, erra mão ao sair do campo da sugestão, tão brilhantemente proposto na obra original. O roteiro busca saídas tolas como respostas, como dar vida a Dama do Lago ou o insuportável Peter Quint com seus planos vilanescos. Toda essa narrativa que cria para justificar seus bons mistérios ganha traços de um novelão melodramático e mal conduzido, inserindo, ainda, tramas de amor tão forçadas que são dificílimas de engolir. A ideia de construir uma narrativa através de flashbacks e fluindo entre diferentes tempos, funciona quando se tem um material rico a ser explorado, o que não é o caso. A ida e vinda de uma trama tão linear como a que oferece, só transforma o show em algo repetitivo e cansativo, revelando de forma maçante os mesmos eventos.

Falta, principalmente, carisma aos personagens que guiam tudo isso. Não há como torcer, vibrar ou sofrer por ninguém que nos apresenta, tamanha a confusão e enrolação que entrega. Me afasta, ainda, as tantas frases de efeito, que surgem como se cada situação da trama viesse pelo simples ato de deixar uma lição de moral. Os indivíduos ali tem sempre um ensinamento calculado por trás de cada ação. É chato, é pedante. Ao menos, confesso, gosto do elenco, em especial as crianças e a hipnotizante presença de T’Nia Miller como governanta. Victoria Pedretti, por sua vez, tem potencial, mas sua performance é incômoda. Seus tantos trejeitos e expressões de boa moça destoam de todo o resto.

Vale destacar a produção, que segue ainda mais cuidadosa nos detalhes. O terror é construído pela atmosfera e pelos elementos que ilustram cada momento. Das cores opacas e frias – muito presentes na filmografia de Flanagan – à iluminação que traz uma áurea fantasmagórica para suas cenas.

“Não é uma história de fantasmas, mas uma história de amor”. Enquanto que a primeira temporada conseguiu com brilhantismo trilhar entre o drama e o terror, os roteiristas aqui falham nesta missão, onde a série não funciona em nenhum dos tantos gêneros que tenta abraçar. Terror não é feito só de sustos e é fantástico quando uma obra entende isso. Mas essa saída ousada não transforma “A Maldição da Mansão Bly” em algo bom, quando o que oferece além da tensão é tão pobre. O que antes era uma produção promissora na Netflix, morre cedo.

NOTA: 6

  • País de origem: EUA
    Ano: 2020
    Título original: The Haunting of Bly Manor
    Disponível: Netflix
    Elenco: Victoria Pedretti, T’Nia Miller, Oliver Jackson-Cohen, Henry Thomas